29/5/14

El declive de los niños mimados

Banner Girls


Creador: Lena Dunham
Int.: Lena Dunham, Allison Williams, Jemima Kirke, Zosia Mamet, Adam Driver, Alex Karpovsky, Andrew Rannells, Christopher Abbott
Emisión: 2012 – Actualidad, HBO y Canal+
3 temporadas

Yo era un gran detractor de Girls cuando se estrenó hace dos años. No vi ni un episodio, pero todo lo que leía u oía de ella no me gustaba, ni su pinta de Sexo en Nueva York en modo hipster, ni las crueles críticas, ni tampoco las grandes alabanzas que se atrevían a comparar a su creadora y protagonista, Lena Dunham, con Woody Allen. Pero mucho tiempo después del furor del estreno decidí darle una oportunidad, en parte gracias a la ferviente recomendación de un amigo con el que suelo estar siempre de acuerdo, y el resultado fue un flechazo casi instantáneo que me llevó a ver las tres temporadas que se han emitido hasta la fecha seguidas, sin prisa pero sin pausa, temiendo a que llegara el día en que no me quedaran más capítulos por ver hasta dentro de un año. Una espera muy larga que me hace comprender a los fans de Juego de tronos cuando se quejan al final de cada temporada… un poco, nada más, porque hay que ver lo pesados que se ponen.

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Lena Dunham es creadora, protagonista, guionista, productora y ocasional directora de la serie. Una mujer orquesta a la que, como dije en el anterior párrafo, muchos han empezado a comparar con Woody Allen por ambientar la historia en Nueva York y por tener un estilo similar al escribir diálogos ágiles e ingeniosos que pasan de la comedia al drama y viceversa con una naturalidad pasmosa, pero cada uno habla de la vida desde sus particular punto de vista. El de Dunham, o Hannah, su álter ego en la serie, es el de una veinteañera que se cree la más lista de la clase, pero cuando aterriza en el mundo adulto, aquel que comienza cuando los papás cortan el grifo de dinero y en el que se descubre que las aspiraciones de empleo están muy por debajo de las expectativas, no le queda otro remedio que enfrentarse a los problemas de la vida real como cualquier hijo de vecino; (lo de la madurez es otro cantar). Girls va básicamente de las peripecias vitales de cuatro amigas, con muchas más carencias de las  que ellas creen, descubriendo que el mundo en realidad no les debe nada por existir.

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En el muy recomendable blog Asesino en serie de Alberto Rey, o en uno de sus tweets, ahora mismo no lo recuerdo, el periodista apuntaba que cuando una mujer es seguidora de series como Juego de tronos, Breaking Bad y similares nadie ve ningún problema, pero cuando un hombre ve una serie como Girls la cosa cambie, porque existe una imagen preconcebida de que una serie protagonizada por mujeres sólo puede estar indicada para sus congéneres y, si acaso, para los homosexuales. No puede existir una apreciación más errónea sobre la serie, y es que todos nosotros, sin distinción de sexo, raza, nacionalidad u orientación sexual, nos podemos ver reflejados en las protagonistas de Girls, especialmente en sus defectos: el egocentrismo de Hannah, la inseguridad de Marnie, las adicciones de Jessa, la ceguera de Shoshanna… Resulta muy fácil sentir antipatía o vergüenza ajena por estas chicas porque no tienen vidas envidiables, no son muy buenas amigas y cometen infinidad de errores de los no siempre aprenden. Ahí reside el mayor logro de Lena Dunham, en que no titubea al sacar a la luz el lado oscuro de sus personajes y dejarles sin lección que aprender al final del capítulo.

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El mayor problema que acarrea Girls es, sin embargo, la propia Dunham, o lo que es lo mismo, que le preste excesiva atención a su personaje en detrimento del resto. Lo bueno de que el foco de atención esté situado casi todo el tiempo sobre Hannah es que sus aventuras en solitario nos han dejado algunos capítulos memorables, como One Man’s Trash, el mejor de la segunda temporada con la estelar aparición de Patrick Wilson, o el Old Dog New Tricks de la tercera. Además, de esta forma ha podido desarrollar en profundidad el personaje de Adam Driver, gran protagonista masculino de la serie y estrella de Hollywood del mañana a pesar del desconcierto que despierta sus apariciones en los primeros capítulos. No hay duda de que Hannah es un personaje muy interesante, pero también lo es la cotorra de Shoshanna, quien nunca ha gozado de la presencia merecida. Por suerte, parece que Dunham se ha percatado de ello y en la tercera temporada ha dedicado mayor tiempo a “las hermanas” de Hannah y a la amistad, algo tóxica, entre ellas.

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Escribir sobre Girls se me ha hecho cuesta arriba porque se puede decir mucho de la serie con apenas tres temporadas de 10 o 12 capítulos cada una, y quiero enmendar mi error de haberla juzgado antes de tiempo. Sin duda es una de las series de la actualidad que mayor número de pasiones y odios despierta, estos últimos especialmente por la figura pública de Lena Dunham, quien se atreve a autodefinirse en el piloto como “la voz de su generación”. Pero al rey lo que es del rey: nadie ha hablado del egocentrismo, la soledad, las relaciones sentimentales y los problemas de los “casi-adultos” de hoy en día con una franqueza y un humor tan afinados. Tiene tanto capítulos divertidísimos como otros que suponen un guantazo en toda la cara. Para terminar, dos anotaciones: 1. Sí, Lena Dunham se despelota a la primera de cambios en cada capítulo, pero estoy seguro de que si tuviera un cuerpazo como los de True Blood o Juego de tronos nadie pondría el grito en el cielo. Sarah Jessica Parker no se atrevió a enseñar ni un pezón en Sexo en Nueva York. Y 2. La selección musical de toda la serie es cojonuda.

28/5/14

Sin grandes esperanzas

Poster The Invisible Woman

Dir.: Ralph Fiennes
Int.: Ralph Fiennes, Felicity Jones, Kristin Scott Thomas, Tom Hollander, John Kavanagh, Tom Burke, Michelle Fairley, Perdita Weeks
¿De qué va?: En la década de 1850, el renombrado escritor Charles Dickens pone su ojo en una joven y talentosa actriz llamada Ellen Ternan. Aburrido con su intelectualmente poco estimulante esposa, Dickens toma a Ellen como su amante con la cooperación de la madre de ésta.

Reseña: Hace dos años, Ralph Fiennes, quien por cierto nos ha dejado una de las interpretaciones cómicas del año en El gran hotel Budapest, debutó como director en Coriolanus, adaptación moderna de una obra de William Shakespeare que no terminó de cuajar ni entre el público ni entre la crítica. Para su segunda película, Fiennes cambia a Shakespeare por Charles Dickens para filmar un drama de época que no gira tanto en torno al escritor inglés como en torno a la desconocida figura de la joven con la que mantuvo un romance que permaneció secreto para no dañar su imagen pública. El pudor de ella al enamorarse de un hombre casado y su posterior frustración y resignación al tener que vivir en la sombra de la vida de su amado conforman los grandes temas de la película.

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El romance entre Dickens y Ellen está retratado de forma muy delicada en la película y se toma su tiempo para que sus sentimientos evolucionen, todo con tal de  que él no quede como un asaltacunas y ella como una oportunista. Ellos no se sienten atraídos mutuamente por su físico sino por su intelecto, lo cual le viene un poco mal al relato porque acarrea consigo una gran falta de pasión. Todo es demasiado cohibido, incluyendo las escenas íntimas y las más dramáticas, y aunque se trate de algo que vaya acorde con lo que se está contando, Fiennes es incapaz de convertir ese amor oculto en algo verdaderamente conmovedor. El problema también viene del libreto, firmado por Abi Morgan, guionista que sí supo sacar mucho más partido de la aflicción silenciosa en Shame. Por otra parte, no queda bien reflejada del todo la presión social que sufre la pareja, de hecho, da la impresión de que todo el mundo aprueba la relación.

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La dirección artística y el vestuario son espléndidos, como en cualquier drama de época que se precie. Las interpretaciones de Ralph Fiennes y Felicity Jones son notables y ambos consiguen establecer una conexión verosímil entre sus personajes (aunque Jones es mucho más magnética de morena que de rubia). Kristin Scott Thomas es una presencia que siempre es muy agradecida aunque permanezca en un discreto segundo plano, y es necesario romper una lanza a favor de Joanna Scanlan, la actriz que interpreta a la esposa abandonada de Dickens; su papel es muy complicado, por antipático y poco desarrollado, pero la buena mujer lo saca adelante con mucha dignidad en las dos escenas clave que protagoniza. Así pues, The Invisible Woman cuenta con mucho oficio detrás, pero le falta aflojarse un poco el corsé para ser considerado un gran  drama de época.

6/10

21/5/14

El rugido y la furia

Poster Godzilla

Dir.: Gareth Edwards
Int.: Aaron Taylor-Johnson, Bryan Cranston, Elizabeth Olsen, Ken Watanabe, Sally Hawkins, David Strathairn, Juliette Binoche
¿De qué va?: 15 años después de un extraño incidente en una planta de energía nuclear de Japón, el físico Joe Brody une fuerzas con su hijo soldado, Ford, para descubrir la verdad de lo que realmente pasó. Lo que descubren es el preludio de una amenaza de devastación global.

Reseña: Los directivos de Warner Pictures y Legendary habrán pensado que si les salió bien la jugada de revitalizar a Batman tras el descalabro de Joel Schumacher, ¿por qué no hacer lo mismo con Godzilla tras ese primer fiasco de americanización perpetrado por Roland Emmerich? El gran público demanda películas de superhéroes, monstruos y fantasías varias que vengan empachadas de solemnidad y se ajusten en la medida de lo posible al mundo real. Con el relativo fracaso de Pacific Rim el año pasado, aprendimos que el tener buen oficio y unas intenciones modestas y sin coartadas no es suficiente para enganchar a la audiencia de hoy en día.

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La nueva Godzilla se beneficia, y mucho, de la dirección de Gareth Edwards. No me gustó Monsters, su carta de presentación y principal razón por la que está al frente de este proyecto, pero las virtudes de aquella, tales como el seguimiento de la acción monstruosa desde el punto de vista humano o el manejo del suspense basado en el siempre efectivo “sugerir antes que mostrar”, están presentes en su nuevo filme, y de qué manera. El director, con la inestimable ayuda de la fotografía de Seamus McGarvey y la partitura de Alexandre Desplat, se marca una serie de imágenes, planos y secuencias para quitar el hipo, como la primera (y tardía) aparición del amigo Gojira, el tren en llamas que emerge de la oscuridad, el asalto aéreo visto en el tráiler o incluso un plano final perfecto en su sencillez y tranquilidad. Así, Edwards da un golpe sobre la mesa y se erige como un cineasta muy a tener en cuenta que ha conseguido realizar una película de Godzilla espectacular, que le da mil vueltas a la versión del 98 y que consigue extraer belleza de la catástrofe y el caos.

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Pero todo paladín tiene su talón de Aquiles, y en este caso radica en el guión, especialmente el tratamiento de los personajes. Sin duda, es un acierto que la acción sea vista siempre a través de los humanos para no tener que abusar demasiado de la gran estrella, pero de nada sirve contar con un reparto de intérpretes de peso si no les das algo con lo que puedan trabajar más allá de la función que desempeñan en la historia. El único por el que podemos sentir algo de empatía es Bryan Cranston porque arrastra el mayor drama personal, con el resto es difícil encariñarse porque en realidad no tenemos idea de quiénes son más allá de su rol, a saber: Aaron Taylor-Johnson es el héroe, Elizabeth Olsen la esposa y madre preocupada, David Strathairn el militar al mando, Ken Watanabe el científico perplejo y curioso por los monstruos y Sally Hawkins su mano derecha que lo sigue a todos lados como un perro faldero y da las explicaciones oportunas; lo de Juliette Binoche no es más que un agradecido pero pequeño cameo. La mayor parte del tiempo los personajes ejercen de meros e impotentes espectadores de la devastación que se está produciendo a su alrededor, no obstante, causar una hecatombe y no saber cómo arreglarla es un comportamiento clásico del ser humano.

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Por ello, no hago más que pensar en que si de verdad es necesario tener unos personajes por los que sufrir y sentirse identificados, puesto que lo que en realidad me hizo vibrar de la película fue su última media hora, en la que asistimos a un glorioso Pressing Catch entre Gojira y sus contrincantes (quienes, curiosamente, gozan de mayor tiempo en pantalla que él), una batalla cuyos precedentes habían sido evadidos para reservar toda la munición para la traca final. Los efectos especiales juegan a toda máquina y la acción es todo lo salvaje y fastuosa que cabe esperar de una película sobre el bicharraco radiactivo. Reemplazando la metáfora sobre Japón tras la derrota de la 2ª Guerra Mundial por una paranoia post 11-S ya demasiado vista y con una crítica ante el armamento nuclear que queda un tanto tapada, lo que nos queda de esta remodelada Godzilla es una cinta que no se conforma con ser la clásica película de “monstruo destruye una ciudad” (aun teniendo importantes carencias en el componente humano), y el rugido atronador e impotente no sólo de Gojira sino también del artífice de su esplendoroso renacimiento, Gareth Edwards.

6’5/10

19/5/14

Campos de fresas junto al mar

Poster Vivir es facil con los ojos cerradosTengo la impresión de que la última edición de los Goya tenía un nivel por debajo de lo habitual. No sé si será por el descenso en las ayudas públicas y en la producción cinematográfica nacional, o porque se dio la casualidad de que directores consagrados como Pedro Almodóvar o Álex de la Iglesia estrenaron trabajos muy poco memorables en sus respectivas trayectorias, pero es evidente que no había claras favoritas porque ninguna película destacaba especialmente sobre sus competidoras. Tampoco quiero quitarle mérito a la ganadora, pero aun siendo más que correcta no es carne de premios.

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Vivir es fácil con los ojos cerrados es la historia, basada en un hecho real, de un profesor que utiliza las canciones de Los Beatles para enseñar inglés durante la España franquista. Cuando se entera de que su ídolo, John Lennon, está en Almería rodando una película, decide viajar hasta allí para conocerle. En su ruta, recoge a una joven que quiere volver a casa de su madre y que esconde un secreto y a un chaval de 16 años que se ha fugado de casa, involucrándolos de lleno en su odisea particular.

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En un momento dado de la película, el personaje de Javier Cámara afirma que “la vida es alegre y melancólica”. Esta definición puede extenderse a la propia cinta de David Trueba, pues no hay dos adjetivos que le vayan mejor. El director hace un retrato de época preciso en el que se puede advertir a través de varios detalles la represión y falsa armonía vivida en aquella época, al tiempo que establece algún que otro paralelismo con el presente, pero globalmente resulta una recreación mucho más ligera y optimista que otras películas ambientadas en el período franquista. Cámara, merecidísimo ganador del Goya a mejor actor que tanto se le había resistido, encarna a uno de esos profesores que con su sabiduría y optimismo despierta un cambio en el interior de sus alumnos (o en este caso, compañeros de viaje) y los ayuda a madurar sin caer en el adoctrinamiento. La recreación del actor es la réplica española del Robin Williams de El club de los poetas muertos y de otros memorables profesores de la historia del cine.

Vivir es facil

Las interpretaciones de la debutante Natalia de Molina y de Francesc Colomer, el niño un poco más crecidito de Pa Negre, arropan a Cámara con su naturalidad y luminosidad, especialmente la de ella, mientras que la música, el mar que baña Almería y sus paisajes desérticos son el  marco perfecto para una historia tan cálida y mediterránea como ésta.  La película es de visionado muy agradable, y tal vez por ello peca de demasiado blanca y optimista. Con un poco de desilusión y amargura, aunque sólo fuera una pizca, habría sido mucho más redonda. Al menos, Trueba no se pasa con las dosis de azúcar ni lanza mensajes falsamente esperanzadores. Vivir es fácil con los ojos cerrados es una fábula cargada de gracia y buen rollo que prefiere dibujarte una sonrisa antes que recalcarte lo jodido que está el mundo, y eso a veces tampoco viene nada mal.

7’5/10

16/5/14

La otra cara del sueño americano

Poster El sueño de Ellis

Dir.: James Gray
Int.: Marion Cotillard, Joaquin Phoenix, Jeremy Renner, Angela Sarafyan, Antoni Corone, Dylan Hartigan, Dagmara Dominczyk
¿De qué va?: En 1921, Ewa y su hermana Magda dejan su Polonia natal y emigran a Nueva York. Cuando llegan a la isla de Ellis, Magda es puesta en cuarentena porque está enferma de tuberculosis. Para salvar a su hermana, Ewa está dispuesta a aceptar todos los sacrificios y se entrega resignada a la prostitución bajo la protección de Bruno, un proxeneta que la salva de la deportación.

Reseña: Otro traducción nefasta de títulos de películas, y esta vez, además, engañoso y con poco sentido. Porque El sueño de Ellis da a entender que Ellis es el personaje que encarna Marion Cotillard, pero no, es la isla donde permanece encerrada la hermana de la susodicha en la historia. ¿Tan complicado era una traducción literal del original, La inmigrante? ¿O es que no querían que los potenciales espectadores pudieran malinterpretarlo debido a las actuales connotaciones negativas de la palabra?

The Immigrant

Otro asunto que me indigna es el poco amor que recibe James Gray. Es uno de los directores norteamericanos más interesantes de la actualidad, uno de los pocos que trae el clasicismo al cine moderno sin resultar forzado. Two Lovers fue incomprensiblemente abucheada en Cannes (nadie ha sacado tanto jugo del clásico dilema de escoger entre una rubia y una morena), mientras que la acogida de The Immigrant hace ya un año fue más calurosa pero no demasiado. Esto lo puedo entender mejor porque no nos encontramos ante su mejor trabajo. Por primera vez, Gray se adentra en el melodrama de época y lo hace no imitando a los clásicos sino asumiendo su identidad de forma natural, cuidando hasta el más mínimo detalle de la ambientación, fotografía y banda sonora para sumergirnos de lleno en las zonas más pobres y menos glamurosas del Nueva York de los años 20 y hablarnos del lado oscuro del eterno American Dream.

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Lo que le falla es el calado emocional. El drama de la desdichada inmigrante polaca lo tiene todo para encogernos el corazón y sin embargo esto sólo se consigue a ratos, en los momentos en los que se vislumbran destellos del genio y el nervio que ha demostrado Gray en sus anteriores películas. Ni siquiera una esforzada y compungida Marion Cotillard, hablando un perfecto polaco, consigue llevarnos al arrebato como acostumbra. Su evolución personal y la de la relación que mantiene con  su salvador/dueño/proxeneta/enamorado, encarnado por el siempre eficaz Joaquin Phoenix a la hora de crear personajes complejos y con claroscuros, es lo mejor del relato, una aportación mucho más importante y significativa que la de un correcto pero pasajero Jeremy Renner.

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En definitiva, The Immigrant es un melodrama que desprende aroma a clásico en cada uno de sus fotogramas, pero que se queda por detrás de los grandes del género porque a pesar de que Gray no caiga en recursos baratos para provocar emoción tampoco la consigue a través de sus (loables) modos. Con un poco más de la garra que poseen sus anteriores trabajos, igual de densos y turbios pero mucho más intensos, estaríamos ante una película sobresaliente, sin embargo, nos quedamos en el notable bajo.

7/10

 

14/5/14

O.C: Los olvidados (1950)

Poster Los olvidados¿De qué va?: El Jaibo es un adolescente que escapa de un correccional para reunirse en el barrio con sus amigos. Unos días después, el Jaibo mata al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo enviaran al reformatorio delante de su amigo Pedro. A partir de entonces, los destinos de el Jaibo y Pedro estarán trágicamente unidos.

Reputación: Considerada una de las mejores películas de la historia del cine mexicano, cuando fue estrenada en su país suscitó reacciones violentas y diversas instancias mediáticas que pedían el exilio de Luis Buñuel. A los cuatro días y tras varios intentos de agresión física al cineasta, la película fue retirada de los cines debido a las presiones de la prensa, el gobierno y los espectadores de clase media-alta. Afortunadamente, varios intelectuales salieron en su defensa y tras recibir el premio al mejor director en el Festival de Cannes de 1951, Buñuel fue “redescubierto” por los medios franceses y europeos, lo que le valió el respeto y la audiencia en México. Fue estrenada al año siguiente en una buena sala de la capital mexicana, donde permanecería más de dos meses en cartel. El filme, rodado exactamente en 365 planos, cuenta con un noveno rollo de película descubierto décadas después de su estreno en el que se incluye un final alternativo y feliz que el productor Oscar Dacingers obligó a rodar a Buñuel en caso de que hubiera que sustituir al verdadero si al público no le gustaba. Los olvidados fue, junto a Metrópolis de Fritz Lang, una de las primeras películas en ser incluidas en el programa de la UNESCO llamado ‘Memoria del mundo’, que tiene como fin preservar el patrimonio histórico documental de mayor relevancia para los pueblos del mundo.

Los olvidados

Reseña: En Los olvidados, realidad y onirismo se dan de la mano para ofrecer una visión única de una de las grandes problemáticas, no ya de México, sino de todo el mundo: la marginalidad y delincuencia juvenil. Todo respira autenticidad gracias a su guión, tan crudo, pesimista y falto de concesiones como puede ser la vida en estos barrios, al trabajo de los actores, muchos de ellos no profesionales, y a los imperfectos personajes que encarnan (nadie es un santo). Pero Buñuel consigue hacer la historia suya y poner su sello personal al introducir, de forma sorprendentemente comedida, elementos surrealistas y obsesiones propias (el sueño de Pedro, las gallinas, el erotismo implícito…), enriqueciendo la historia. Una gran película que merece ser vista, estudiada y admirada por los siglos de los siglos.

Próximo visionado: Cayo largo (1948)

12/5/14

Sexoadictos a rehabilitación

Poster Amor sin control

Dir.: Stuart Blumberg
Int.: Mark Ruffalo, Tim Robbins, Gwyneth Paltrow, Josh Gad, Alecia Moore, Joely Richardson, Patrick Fugit
¿De qué va?: A primera vista, Adam, Mike y Neil tienen poco en común. Sin embargo, los tres acuden a una terapia de grupo para adictos al sexo. Su único apoyo son los otros miembros, que se convertirán en amigos fieles para salir juntos del bache y recuperar sus vidas.

Reseña: En el capítulo de hoy de la longeva serie titulada “Traducciones locas de títulos de películas” tenemos la transformación de Thanks for Sharing (Gracias por compartir) a… Amor sin control. Quizás los responsables del cambio hayan pesado que el título original era muy soso y que la palabra “amor” siempre es capaz de captar la atención de los fanáticos del cine romántico. ¿O es que con el “sin control” se están refiriendo a la famosa marca de preservativos? De una forma u otra, el título no es del todo acertado porque en la ópera prima del guionista Stuart Blumberg (Los chicos están bien) hay algo de amor, sí, pero lo que está descontrolado es el gusto por el sexo de los protagonistas, y ahí amor lo que es amor… poco hay.

Thanks for sharing

Y es que los participantes de este grupo de terapia han tocado fondo al engañar a sus esposas, perder amigos, el trabajo e incluso el amor propio debido a sus impulsos incontrolables, de ahí que acudan en busca de ayuda y comprensión mutua como si de Alcohólicos Anónimos se tratase. La película abarca las historias personales de tres personajes para explorar la recuperación y los problemas que se presentan por el camino apoyándose cada uno en pilares diferentes: la familia, la pareja y las amistades. La película trata a sus adictos de forma comprensiva, sin hacerles burla, y nos dice que como cualquier otra adicción no hay una única forma de superarla y es tan difícil dar el primer paso para salir de ella como es muy fácil volver a recaer. Nada que no sepamos ya.

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Las comparaciones con Shame son tan inevitables como injustas. La película de Steve McQueen es oscura, cruda, aséptica, cruel y desmoralizante, mientras que Amor sin control (sic) es blanca, bienintencionada, amable y esperanzadora. A la hora de abordar el tema de la adicción al sexo, son como la noche y el día. La película de Blumberg cuenta con buenas interpretaciones de todo su elenco, sorprendiendo ver a Gwyneth Paltrow dando vida a una especie de parodia de su imagen pública de persona que lleva los hábitos saludables y alimenticios al extremo. También es curioso que el actor menos mediático del reparto, Josh Gad, consiga arrebatarles la película a Mark Ruffalo y Tim Robbins gracias a su simpatía y con la ayuda de Alecia Moore, o lo que es lo mismo, la cantante Pink, quien no desentona en absoluto.

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Por tanto, Amor sin control es una película inofensiva pero de agradable visionado sobre buenas personas que intentan encauzar sus vidas con la ayuda de sus personas cercanas. Va alternando comedia y drama sin decantarse por ninguno en concreto y sin excederse. No tiene un mal guión, cuenta con algunas líneas de diálogo bastante inspiradas, pero el devenir de los personajes resulta un tanto previsible. Al menos, puede que sea la única película sobre sexo apta para ver con mamá sin que se nos suban los colores.

6/10

11/5/14

El rincón de Chechu: Salamanca, canción de amor

Bajando del cine uno se pone a pensar cuando mira. Últimamente, este último año, me ocurre que me canso de ser hombre y me sueño dividido entre dos mundos, el que voy pisando de rostros anónimos que se cruzan y el de calles que conozco y que me habitan mágicas, perfiladas azules por un cielo de primavera azul sobre la palma de la mano. Entonces me evoco a mí mismo erguido hacia lo alto en un poema. Debería poder uno mismo contemplarse en un poema caminante.

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Hay ciudades que se enroscan y hay ciudades de campanas negras, las hay que duermen para siempre un domingo, este domingo, las hay que se rascan la espalda con las olas, como la mía (¿o no es la mía ya?), las hay que se olvidan de sí mismas y se tumban a un lado del camino, las hay comprimidas, las hay derramadas a un mar de cacharros y grúas; hay ciudades de rodillas, hay ciudades nulas, las hay que dibujan el horizonte lleno de ángulos y en lo alto una gran torre con avenidas y serpientes donde Lorca dejó crecer sus cabellos negros. Hay ciudades que se miran y las hay ciegas sin ojos, laberínticas en la planicie.

Down in the valley

Tantos hombres a pie y ahora nadie, pensé bajando del cine, tanto me gustó aquella escena de En el valle (¿vi con ella En el valle?) cuando Norton el cowboy se detiene en el semáforo y deambula entre los coches preguntando, “por qué vivís en máquinas, por qué vivís en máquinas”, hasta que la niña lo recoge suavemente por un brazo y se lo lleva de allí, al cowboy abandonado, al hombre de los caballos que se pregunta, que se envenena, que se muere, sordamente.

Yo bajando del cine a la una de la mañana sin el cielo azul pero con luces, Torres Villarroel es una bella autopista sin coches, anchurosa, oxigenada, el cielo sin estrellas de la ciudad, el viento levemente en los párpados; pienso en Miel, esa película italiana que he visto único en la sala siete, esa película de la muchacha que mata enfermos, ¿los mata? No queda nadie por la calle, recuerdo esa frase de El fulgor de África, “el apio como un duende por la casa”, el apio como un poema por la casa, deberíamos poder contemplarnos en un poema caminante.

Miel

Cuántos años han pasado ya, cuatro años han pasado y voy todos los días hasta el fin del mundo a dar clase a un niño que tiene un ojo azul y otro verde, y cuando me detengo en su portal dirijo la mirada a la lejanía porque desde allí se ve la palma de la mano donde se levanta la ciudad, se ven los horizontes amarillos, las nieblas lejanas, se ve casi el mar tan a lo lejos. Cuántos años han pasado ya, cómo pienso en el pasado caminante, deambulando entre rostros anónimos pienso que fue allí donde la vi cruzar desde mi ventana la primera vez que vino a visitarme, o pienso en el paseo largo que di con ella (otra ella) a la orilla del río, desde la primera tarde hasta el crepúsculo, ¿sacó una fotografía?, me pregunto, sacó una fotografía y la tengo guardada.

Se me escapa la conciencia caminando este último año y me doy cuenta. Se me va el corazón por las azoteas, se me empapa el corazón de tantos recuerdos y de tantos gestos (luego pienso que la vida es tan solo un gesto, que uno mismo es tan solo un gesto detenido que se observa) y tropiezo con la gente. Tropiezo al doblar la esquina con una mujer adulta, cargada de niños, tropiezo al bajar la acera en el semáforo de Villamayor, me voy por las alturas o los horizontes y dejo de ver lo que tengo delante. Camino últimamente muy metido en mis pensamientos y a veces me pregunto si no estaré haciéndome viejo, o mayor, o qué me ocurre.

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Bajando del cine en la madrugada llegué a una conclusión muy bella, y decidí que en los días siguientes tenía que escribirla, tenía que escribir algo sobre esta ciudad, sobre este recuerdo que se transforma. Llegué a la conclusión de que la ciudad nuestra nos habita y de que somos igual que las piedras, de ese color tostado cuando anochece o de ese color terroso durante el día: se fueron los años y terminaron ya todas las clases, aquellas hierbas verdes de la facultad que antes pisaba y que veo ahora en otros alumnos que dejarán los campos verdes también en muy poco tiempo. Aquellos rostros que me habitaron. Aquellas copas que me bebían. Aquella noche que me perdí emborrachado, cubierto de nieve, y aparecí en el estadio Helmántico y un gitano me llevó a casa en su Mercedes, amablemente y tan sorprendido, “¿qué haces aquí, tan lejos?”, me preguntó tanto.

Ha pasado el tiempo y las primaveras y ahora se abre el mundo nuevamente en la ciudad. Otros rostros me habitan. Otros campos, las mismas piedras, la ciudad que se transforma como un poema caminante: él hablaba absorto sobre novelas mejicanas, apasionado y múltiple desde la silla, ella movía las manos como un duende por la casa, profunda y tan sabia y tan eléctrica, ella otra me hizo ver una serie de televisión magnífica. Otros me miran, otros me huyen, rostros que nacen y que me habitan de nuevo.

Salamanca

Salamanca, canción de amor: eres un poema caminante. Eres un gesto, un fulgor de África, una joya en una mano levantada hacia la primavera. A ti no te habita nadie: Torres Villarroel era una autopista vacía. A ti no te habita nadie: el italiano, el francés, el alemán mezclados en tus piedras. A ti no te habita nadie: tú habitas los corazones empapados. Tú te transformas iluminada, renacida, tú haces que este último año me canse de ser hombre y me haces vivir en un poema. Haces que me distraiga caminando. Me elevas a no sé dónde, me arrebatas mi hogar de olas que se rasca la espalda y te yergues mía, interna, revelada en el camino de vuelta del cine: no eres una ciudad, eres la vida. Y ahora mira, Salamanca mía, qué le has hecho escribir a un gallego.

5/5/14

Tren en dirección al abismo

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Dir.: Bong Jong-hoo
Int.: Chris Evans, Song Kang-ho, Tilda Swinton, Jamie Bell, John Hurt, Octavia Spencer, Ah-sung Ko, Alison Pill, Ed Harris
¿De qué va?: Un fallido experimento para solucionar el problema del calentamiento global acabó destruyendo la vida sobre la faz de la Tierra. Los últimos supervivientes viajan en el Snowpiercer, un tren que se mueve en círculos por el mundo y que está dividido entre la clase explotada, que sufre miserias en los últimos vagones, y la clase poderosa, que viaja por delante con toda clase de privilegios y excesos.

Reseña: La lucha de clases ha existido a lo largo de toda la historia de la humanidad, ejerciendo como revulsivo de un cambio necesario en la sociedad de cada época. Pon esa lucha de clases en un entorno cerrado y claustrofóbico, como un tren, y tendrás como resultado Snowpiercer, una fábula de ciencia ficción distópica con producción coreana, reparto mayoritariamente americano y basada en un cómic francés. De una combinación de talentos tan internacional no podía salir otra cosa que una película que hable del ser humano en clave universal, de su vil naturaleza en situaciones extremas y de cómo funciona, evoluciona y procura que se mantenga la comunidad que crea a su alrededor.

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La película nos presenta un panorama tan desolador como original y plausible: un mundo enterrado en hielo y nieve debido a un intento por frenar el inevitable calentamiento global. A partir de ahí, se nos muestra la cruda realidad de los supervivientes que han sido declarados como la clase proletaria en ese último refugio del ser humano en perpetuo movimiento circular y su lucha por cambiar el estatus establecido, pasando de vagón en vagón hasta alcanzar el primero, en una huida siempre hacia adelante como si de un videojuego de scroll horizontal se tratase. Bong Jong-hoo otorga tanta importancia a los pasajes de acción cruda y directa como a los más calmados (pero igual de tensos) en los que conocemos un poco más el particular ecosistema del tren y las motivaciones y conflictos internos de los personajes, al tiempo que deja caer varias referencias a clásicos de la ciencia ficción como Cuando el destino nos alcance o Brazil y se deja influenciar por filmes coreanos como Oldboy.

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El ecléctico reparto de Snowpiercer está encabezado por Chris Evans, quien reafirma sus dotes de liderazgo tras sus aventuras como el Capitán América. El actor plasma perfectamente el cansancio, la rabia y el abatimiento de su personaje hacia el sistema con el que le ha tocado lidiar, y realiza una buena réplica cuando comparte plano con actorazos de la talla de Ed Harris, John Hurt y Octavia Spencer, quienes también reclaman sus momentos de atención. A Tilda Swinton le dedico unas líneas aparte porque realiza una de esas alucinantes interpretaciones camaleónicas a las que nos tiene acostumbrados, encarnando con gracia al prototipo de persona que se arrima al bando que más le conviene para salir beneficiado. El padre y la hija coreanos que forman Song-ka ho y Ah-sung Ko y la chispeante intervención de Alison Pill también son grandes incentivos del filme.

Snowpiercer2

No me queda muy claro si esta versión de la película es la que quería el director desde el principio o si es posterior al remontaje exigido por Harvey Weinstein, pero no le encuentro demasiados problemas de edición ni ritmo salvo tal vez por el tercer acto, que se alarga demasiado entre confesiones y explicaciones varias, pero la situación es tan tensa y las revelaciones tan impactantes que molesta bien poco. Claro que se puede sacar punta de todo y formular preguntas sin respuesta de lo que acontece (y de lo que no vemos) en el tren, pero sería una pérdida de tiempo buscar las grietas de una metáfora tan potente y turbadora sobre el lado oscuro de la supervivencia de la sociedad humana. Snowpiercer es una extraña e hipnótica película llamada a convertirse en clásico de culto.

8/10

3/5/14

O.C: Cuentos de la luna pálida de agosto (1953)

Poster Cuentos de la luna palida de agosto¿De qué va?: Genjurô y Miyagi son dos aldeanos sin fortuna que viven en una aldea afectada por las guerras civiles del Japón feudal del siglo XVI. El primero trabaja de alfarero y sueña con hacerse rico, mientras que el segundo aspira a convertirse en un samurái reconocido, por lo que cuando se les presenta la oportunidad de cumplir sus sueños, ambos abandonan a sus familias.

Reputación: Una de las obras maestras del director nipón Kenji Mizoguchi. La acogida inicial en Japón no fue especialmente calurosa, pero el León de Plata que ganó en el Festival de Venecia contribuyó a que fuese reconocida en todo el mundo; ya había ganado un premio en el mismo festival por Vida de Oharu, mujer galante el año anterior. El filme está basado en dos cuentos del libro de relatos homónimo publicado en 1776, y también contiene referencias no acreditadas al relato La condecoración de Guy de Maupassant. Mizoguchi dirigió unas 80 películas, muriendo a los 58 años de vida debido a la leucemia, pero de ellas sólo se han conservado 31, el resto se quemaron durante la Segunda Guerra Mundial. En su última etapa, durante los años 50, el cine de Mizoguchi alcanzó su punto cumbre y adquirió la forma que lo hizo mundialmente conocido: películas de época (mayoritariamente) en las que se retratan las miserias de la humanidad, especialmente de las mujeres, con una gran predilección por el plano secuencia para rodar cada escena.

Cuentos de la luna palida de agosto

Comentario: La moraleja final de Cuentos de la luna pálida de agosto se ve venir desde el principio de la película, cuando la mujer del alfarero le advierte de los peligros de una ambición desmesurada. Esta es una historia sobre la búsqueda de la felicidad individual y los sacrificios que se realizan en el camino para poder alcanzarla, siendo la familia la mayor perjudicada. Su conservadurismo no debe pesar demasiado a la hora de valorar una película que es arte nipón en estado puro. Mizoguchi plasma con claroscuros y belleza la cultura mística de la Tierra del Sol Naciente, fusionando el mundo de los vivos con el de los fantasmas, todos igual de desilusionados ante las frustraciones de la vida. El plano final es verdaderamente hermoso.

Próximo visionado: Los olvidados (1950)

2/5/14

Itinerario de estrenos de mayo 2014

Estrenos_Mayo

Muchos estrenos potentes llegan a la cartelera española este mes, y aún no hay quien haya destronado a Ocho apellidos vascos del trono de la taquilla, un fenómeno sin precedentes que probablemente no se vuelva a repetir en mucho tiempo (¿quizás hasta su secuela?). Tengo mucha curiosidad por descubrir quién tendrá el honor de arrancarle el primer puesto, quizás alguna de las películas que comentamos a continuación, pues algunas son los primeros blockbusters que llegan para inaugurar la temporada veraniega, siempre predominada por cine palomitero puro y duro.

 
Rompenieves (Snowpiercer): Primera de las dos películas de este mes que han sufrido un retraso en su estreno por  problemas con su distribuidor americano, Harvey Weinstein, al querer meter éste tijeras en su montaje. El coreano Bong Jon-hoo (The Host) dirige esta adaptación de la novela gráfica gala Le Transperceneige de Jacques Lob que versa sobre un futuro distópico en el que un experimento fallido para solucionar el problema del calentamiento global casi acaba destruyendo toda la vida del planeta. Los únicos supervivientes viajan en un tren impulsado por un motor de movimiento eterno y dividido entre la clase explotada y la poderosa, lo que provoca que un joven lidere un motín para cambiar el estado de las cosas. Chris Evans (Capitán América: El soldado de invierno), Jamie Bell (Nymphomaniac: Parte 2), Tilda Swinton (El gran hotel Budapest), Song Kang-ho (Thirst), Octavia Spencer (Tocando fondo), John Hurt (Melancolía) y Ed Harris (Dolor y dinero) encabezan el reparto de la que es la producción más cara de la cinematografía surcoreana, 40 millones de dólares de presupuesto que se recuperaron en los primeros 10 días en taquilla. Ha habido críticas dispares pero mayoritariamente positivas.
Estreno: 9 de mayo


 
 
Godzilla: Tras una campaña de promoción que nos ha puesto los dientes muy largos por fin se estrena esta nueva versión americana de Godzilla dirigida por Gareth Edwards (Monsters) que no tendrá nada que ver con la perpetrada por Roland Emmerich en 1998. Aaron Taylor-Johnson (Kick-Ass 2), Bryan Cranston (Breaking Bad), Elizabeth Olsen (Oldboy), Ken Watanabe (Origen), Juliette Binoche (Camille Claudel 1915), David Strathairn (Lincoln) y Sally Hawkins (Blue Jasmine) conforman el excelente reparto de este reboot que promete traer al monstruo radiactivo de vuelta a sus orígenes en una película épica, valiente y realista. Mucho se tendría que torcer la cosa para que no se convierta en uno de los mejores blockbusters de este verano.
Estreno: 15 de mayo


 
 
10.000 km: Ópera prima del director catalán Carlos Marquet-Marcet que ganó los premios interpretativos del festival SXSW de Austin y 5 galardones del festival de Málaga, incluyendo mejor película, director y actriz protagonista. Cuenta la historia de una pareja, encarnada por David Verdaguer (El sexo de los ángeles) y Natalia Tena (Bel Ami), cuya relación pasa por una prueba de fuego cuando ella se marcha un año a Los Angeles por trabajo y él se queda en Barcelona. El amor que los une será la única arma para luchar con los 10.000 km de distancia que los separa. Críticas excelsas para este drama romántico.
Estreno: 16 de mayo



 
Maniac: Con más de un año de retraso llega a España, y de forma limitada, Maniac, remake del filme de terror homónimo de 1980 que gira en torno a Frank, el solitario propietario de una tienda de maniquíes. Por la noche, se dedica a asesinar mujeres para arrancarles la cabellera y exponerlas en los maniquíes personales de su apartamento. Un día, conoce a una bella fotógrafa con la que iniciará una amistad que alterará la ya de por sí deteriorada salud mental de Frank. Elijah Wood (El Hobbit: Un viaje inesperado) y Nora Arnezeder (El invitado) protagonizan este sangriento y brutal filme producido por un experto en gore, Alexandre Aja  (Piraña 3D) y dirigido por Franck Khalfoun (Parking 2). Especialmente indicado para amantes del género slasher y nostálgicos de los 80.
Estreno: 16 de mayo
Reseña



 
Grace de Mónaco: Llegamos a la otra película que ha sufrido de la afición de Harvey Weinstein por meter mano en los montajes de los filmes cuyos derechos adquiere y, en este caso, puede ocurrir que el montaje que se estrene en Estados Unidos sea diferente al del resto del mundo o que el productor se desentienda completamente de la película. De un modo u otro, este biopic, dirigido por Oliver Dahan (Un gran equipo) y centrado en el papel que Grace Kelly jugó en el conflicto político y económico entre Mónaco y Francia, inaugurará el Festival de Cannes, y así se podrá comprobar si sigue los pasos del descalabro de Diana o si nos encontramos ante uno de los mejores trabajos de Nicole Kidman (Stoker) como algunos ya han apuntado. Tim Roth (El fraude), Paz Vega (Los amantes pasajeros) y Frank Langella (Un amigo para Frank) acompañan, entre otros, a la actriz en el reto de dar vida a la musa de Hitchcock reconvertida en princesa de Mónaco.
Estreno: 23 de mayo


 
Maléfica: Nueva versión de La bella durmiente de Disney contada desde el punto de vista de su villana, la pérfida Maléfica. De este modo, el filme relata los acontecimientos que endurecieron su corazón y la llevaron a lanzar una maldición sobre la princesa Aurora. El especialista en efectos visuales Robert Stromberg debuta en la dirección con este nuevo intento de Disney de romper la taquilla como ya hizo con la Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton y con Angelina Jolie (The Tourist) como absoluta protagonista. Elle Fanning (Un lugar para soñar), Sharlto Copley (Oldboy), Brenton Thwaites (Oculus), Sam Riley (Byzantium), Juno Temple (Lovelace), Lesley Manville (Another Year) y Imelda Staunton (La maldición de Rookford) secundan a la estrella.
Estreno: 30 de mayo


 
Al filo del mañana: Tom Cruise (Oblivion) y Emily Blunt (Looper) son la estelar pareja protagonista de este filme de ciencia ficción dirigido por Doug Liman (Caza a la espía) basado en el cómic All You Need Is Kill de Hiroshi Sakurazaka. La acción transcurre en un futuro no muy lejano en el cual una raza extraterrestre asalta implacablemente la Tierra. Un soldado con nula experiencia en combate muere a los pocos minutos de su primera misión, pero revive otra vez, pues se encuentra atrapado en un bucle temporal. Con cada batalla, el soldado gana experiencia y habilidades, por lo que cada encuentro repetido le lleva más cerca de la victoria. Aún no hay referencias sobre esta mezcla de Atrapado en el tiempo e Invasión a la Tierra.
Estreno: 30 de mayo


Y además…

Dos madres perfectas
Estreno: 30 de mayo
Reseña

1/5/14

Actor del mes: Elijah Wood

Elijah Wood2
Nombre completo:
Elijah Jordan Wood

Fecha de nacimiento: 28 de enero de 1981

Lugar de nacimiento: Cedar Rapis, Iowa (EE.UU.)

Filmografía destacada:

Set Fire to the Starts (2014)
Cooties (2014)
Open Windows (2014)

Wilfred (TV) (2011 – 2014)
Grand Piano (2013)
Maniac (2012)
El Hobbit: Un viaje inesperado (2012)
Celeste & Jesse Forever (2012)
Happy Feet 2 (voz) (2011)
The Romantics (2010)
Número 9 (voz) (2009)
Los crímenes de Oxford (2008)
Happy Feet (voz) (2006)
Bobby (2006)
Paris, je t’aime (2006)
Todo está iluminado (2005)
Sin City (2005)
Hooligans (2005)
¡Olvídate de mí! (2004)
El señor de los anillos: El retorno del rey (2003)
El señor de los anillos: Las dos torres (2002)
Todo lo que quiero (2002)
Miércoles de ceniza (2002)
El señor de los anillos: La comunidad del anillo (2001)
The Faculty (1998)
Deep Impact (1998)
La tormenta de hielo (1997)
Flipper (1996)
Un muchacho llamado Norte (1994)
Las aventuras de Huckleberry Finn (1993)


Méritos: España debería nombrar a Elijah Wood como su hijo adoptivo, y es que ya son tres ocasiones en las que el actor ha trabajado en producciones españolas: Los crímenes de Oxford, Grand Piano y Open Windows, esta última, dirigida por Nacho Vigalondo, se estrenará el próximo mes de julio. Su romance con el cine patrio es sólo una parte del gran espectro que cubre su carrera interpretativa, a la que ha dedicado prácticamente toda su vida. A pesar de que el gran público lo reconozca por ser Frodo en la saga de El señor de los anillos, Wood ha participado en cerca de 40 largometrajes, así como en multitud de cortos y videoclips, ha prestado su voz a varios videojuegos (el último, la aventura gráfica Broken Age) y ha protagonizado la serie Wilfred, que se despide este verano tras cuatro temporadas en antena.
Su pasión por el cine de terror le ha llevado a fundar su propia productora especializada en el género, SpectreVision, con la que ha co-financiado Open Windows y Cooties, sus próximos estrenos. Este mes llega por fin a los cines españoles (de forma limitada) Maniac, remake de un filme gore de los 80 que ya comentamos en el blog y en el que Wood realiza su interpretación más perturbadora. A sus 33 años, este actor de sempiterna cara de niño ha conseguido superar tanto la etapa de niño prodigio como la maldición de los actores cuyas carreras quedan estancadas tras el papel que les dio la fama. Todo un mérito que no se le reconoce como es debido.

Maniac
Extras:

Tráiler de Maniac

Tráiler de Open Windows

Detrás de las cámaras de Maniac

Entrevista sobre Grand Piano

Videoclip “Tiny Tortures” – Flying Lotus

Videoclip “Dance Floor” – The Appels in Stereo

Cortometraje “Paper Plane”